我的天啊，麥金塔說自己不做百老匯了！好啦我其實沒有很在乎他的動向，不過那麼頂尖的製作人都開始拿百老匯的場租沒輒時，表示真的有些問題要浮現了。未來五年的戲可能會更往純娛樂或高票價走，我到底什麼時候才能回紐約看戲呢？

本週分享兩個新作品，首先西區的《大娛樂家The Greatest Showman》在預演預售取得非常棒的成績，目前已於上個月在英國首演。這部IP 由寫出 Dear Evan Hansen 的 Benj Pasek＆Justin Paul 創作，幾乎完美的選角打造了近年最成功的歌舞片。而這次由迪士尼將其舞台劇化，將是迪士尼納入二十世紀福斯後的第一次操作，至少就目前來看，未來收益十分可期。(特別留意它的自我認同還不是音樂劇，而是現場秀Come Alive）

同樣來自倫敦的消息（最近紐約那麼沒吸引力嗎！）死亡筆記本的音樂劇將重製首演，英文版兩年前曾進行音樂會版本演出，想必是為了試水溫。這次重製除了劇本將進行修訂之外，也會寫出新的歌曲。但依然，在公關媒體上以「世界首演」為號招，仍然引來了部分亞洲粉絲和音樂劇工作者的不滿情緒，畢竟這部日韓共製的作品在亞洲已經有十年歷史。不知道這次再演是否有機會反推回動畫重製，或漫畫的熱度再起呢？

編織副線，需要巧勁

要寫一個大眾看的懂的劇本，主線和副線一定要十分明確。

「十分明確」意思不是要把台詞都大白話一五一十，但故事軸線和事件功能千萬不能模模糊糊，偶爾有一兩齣戲在上半場就犯了這個缺失，導致我怎麼樣都進不去一個故事，就會很想先問為什麼 Opening 和 I want song 是這個人在唱啊？

「主角是誰」有時不好回答、但又應該被規範的靈魂拷問，特別是有時看似是雙主角，或多主角的戲，要把主線寫好，就更應該先搞懂副線的定位。

按照這支影片整理出常見的副線類型有四種：1.發展情感關係　2.背景說明 3.平行映稱 4.強烈對比

1. 發展情感關係可以說是老掉牙但最保險的選擇了，畢竟音樂劇沒有 Conditional Love Song 總會渾身不對勁。而浪漫情節發展到21世紀，種類也是可多了，看最近的極限返航，主角可是跟石頭談戀愛。

2. 〈Satisfied〉/ 〈Helpless〉同時作為情感關係和背景說明的歌曲設計，光這兩首歌應該可以讓創作者研讀一學期沒問題。

3. 《近乎正常》中女兒在校的失序行為作為媽媽的映稱，也在後期得到很好的回收，同時成為了媽媽的一種出口。《Dear Evan Hansen》的副線更是神不知鬼不覺地，借由死去的 Connor，映照出主角真正的渴望。

4. 至於對比，在死一堆人的悲慘歷史劇中放入一個黑色幽默的小偷飯店，拓展開了世界觀，也讓觀眾有機會舒緩情緒，在結構上起了relief的作用。訂閱電子報的讀者不知道哪首歌吧。
   

而在音樂劇中，適合的時機放入一條副線專屬的歌，甚至給他一個solo，或在關鍵時刻回收對的音樂動機，其實十分過癮。最近《阿媽的比基尼》改版寫到一半，正在和團隊討論如何將一首主題強烈的歌曲重新縫合，將副線在下半場併回主線，既為副線收束，又解決了主線歌曲量還不夠的問題，還能不用寫新歌。真是一舉三得。

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2026 Olivier Awards 提名名單公布，《Paddington: The Musical》與 Bridge Theatre 版本《Into the Woods》雙雙拿下多項提名，成為本屆音樂劇類最大贏家。前者可愛到不得獎就是犯天條，好奇這個IP能夠在國際市場走多遠。由Bridge Theatre 再製的Into the woods 則是在舞台設計上更強化了寓言童話感，設計和卡司都讓人想看到不行。兩者童話風格的音樂劇大殺四方，是否代表某種英倫潮流，值得持續觀察。

另一則值得注意的消息來自皮克斯。根據外電報導，Pixar正在開發的新作，將成為 Pixar 首部音樂劇電影。（Coco被判斷只有演唱曲而不算完整意義的音樂劇）。
目前釋出的消息只有導演將會是《青春養成記》的 Domee Shi，特別是在獵魔女團的成功後，題材是否將會更全球化或亞洲化，我們繼續看下去。

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如何說教

本篇的創作閒聊偏抽象，但總而言之，我猜想說故事的人總是要在「我要讓你知道」「我要吊你胃口」之間來來回回。因為前幾週被問到「要如何才能避免說教？」我想了想，只能先給了兩個可能，但還在想有哪些更好的回答。

1. 人物優先於議題。真實的角色才能夠打破議題框架。

2. 你想說的教，到底值不值得聽？

後面一格可由你自行補充填上，應該還有無限種方法。

我個人是非常厭惡、反對、排斥創作者在作品完成前就先想創作理念的。特別是商業故事寫作，你的理念應該只有一個「我覺得這個故事很迷人。」

不需要寫理念是因為，當故事中的角色陷入道德困境，陷入劇情抉擇時，他的行動就暗示了作者觀點，他的歌詞也都明示暗示了價值判斷，真正的問題則在於「這樣的選擇，到底有沒有人家要看的價值。」如果故事繞一大圈最後說了一個大家都聽過的道理，還是一個非常老套的說法，自然而然就會有種說教感了。就像我這篇再寫下去就說教感滿滿一樣。

所以，當自己有滿滿的設定和墨水等著爆出，我們到底要先丟什麼資訊給觀眾就異常重要，觀眾真的在意那些資訊嗎，還是那是一種大家都膝蓋骨想就能想的概念？我們怎麼比觀眾更大膽往前走一步，又不會別人覺得你在臭屁，最近一直在想這個問題。

應題，本篇電子報來介紹酒店 Cabaret 中的 If You Could See Her ，也是俗稱大猩猩之歌。

主持人在台上和一隻猩猩偶裝談著戀愛，唱著「你們都不懂她的美」觀眾跟著情境笑到最後才發現最後一句歌詞結尾在「如果你有和我一樣的眼光，他一點都不像是猶太人」。

這樣說教，不高超嗎？

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《Moulin Rouge! The Musical》百老匯紅磨坊從疫情期間開始長跑七年，將於今年中落幕，預計演出2,265場，(將暫居前四十名的長跑選手)。紅磨坊2022年就已經打平成本進入營收狀態，但儘管票房表現穩定，劇院大老們開始思考下一輪更能賺錢的金雞母，紅磨坊去年也已經開始各地巡迴。作為疫情後代表性的風格化音樂劇，有沒有機會來台灣呢? 拭目以待。

日本某齣版權戲的命名引起了我的注意，「ROSE」這部1959年的經典音樂劇我怎麼沒聽過，還是桑坦作詞？原來是處處細膩的日本人為了政治正確，將 Gypsy(吉普賽) 改成了女主角名，好奇這中間的版權是怎麼說服美國人的，如果日本改了，未來其他國家的會改嗎？

信是萬年不敗的好用道具

最近一個創作會議上，討論到信紙作為一個道具的暴力和妙用。儘管我們可能已經幾百年沒收到手寫信了，回到劇場這種古老的表現形式，信紙依然可以如次元刀一樣一刀劃開寫實非寫實、劃開時間、劃開空間。

信紙也可以轉化成各種型態：明信片、廣告紙到科技時代的簡訊、Email、再到婚帖、遺囑或家族VHS、等著被人發現的日記，當角色收到「消息」的那一刻，音樂是必然響起。

在《光的來信》，信紙是憧憬與時光流逝；在《漢彌爾頓》，信紙是父愛與對子女未來的擔憂；在《麥迪遜之橋》中，信紙是乘載遺憾的總結。在《肉餡行動》中，信紙是補完假屍體人格的最後一道細節。信紙從空白開始，因此可能無限。

最後來分享一首出自舞動人生的Letter，完美展示了如何利用信紙調度，招喚情感，招喚時空，與只需要唱一首歌的明星客串演員。

[BILLY'S MUM]
In everything you do
Always be yourself, Billy
And you always will be true
不管長大做什麼
永遠做你自己，Billy
你才會真誠

And I will have missed you growing
And I'll have missed you crying
And I'll have missed you laugh
我會想念你的成長
我會想念你的哭泣
我會想念你的笑語

[MUM & MRS. WILKINSON]
Missed your stomping and your shouting
I have missed telling you off
But please, Billy
Know that I was always there
I was with you through everything
And please, Billy
Know that I will always be
Proud to have known you
我會想念你的跺腳大叫和脾氣
我會想念我唸個不停
但拜託，Billy
相信我會永遠在這裡
我會陪你度過一竊
也請你，Billy
知道我會永遠都
以遇見你為榮

聽完這首歌不眼框紅紅或是掉幾滴眼淚的我都宣判你鐵石心腸。啊對了舞動人生要回到西區演出了！可喜可賀。

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《歡迎來到施米加多Schmigadoon!》
這部改編自同名影集（影集概念又致敬老音樂劇Brigadoon），情節描述一對夫妻掉入了神秘的音樂劇社區，裡頭的居民活在音樂劇中，什麼都要來一首。而要離開這座小鎮的方法只有重新找到他們失去已久的真愛。影集本身就很值得觀賞，大量曲目致敬Golden Age音樂劇，音樂劇迷都能在每首歌中找到致敬的對象，解題過程十分過癮。第二季更是發展到Bob Fosse和Sondheim的風格，也值得一看。到最後都在推影集。

你怎麼預測十年，甚至二十年後的作品

最近看到了一個新聞：好萊塢經紀公司有意簽下 AI 生成的角色 Tilly Norwood？美國演員工會嚴重譴責「它絕非女演員！」，引發了許多腦內思緒。

我先是想到了以前沒看懂的一部電影，這部在台灣或許算是冷門：艾爾帕奇諾主演的《虛擬偶像S1MONE》。故事情節描述一位經紀人利用科技創造了AI偶像，最後卻反而被粉絲熱情吞噬，還因為關閉了電腦差點被指控謀殺…。

這部片票房口碑皆不佳，能夠預測到二十年後的科技發展在當時不是難事，但是二十年後來看，與ＡＩ實際的發展一對比就顯得產生了新的韻味。

即將來台演出的 Maybe Happy Ending創作歷程也不短，開始發展時也應該不能料到ＡＩ的迅速發展，很好奇GPT問是當下，創作團隊的反應是什麼？是否曾因時代變化修訂了一些什麼。

這其實是我這次很想親口問創作團隊的一個問題。「有沒有預測錯」並非重點，世界永遠變得比你原本想像得更快、更複雜，而一個以未來為題材的作品，究竟該如何與時間共存？

核心答案一定是情感，但其他的呢？他們如何調校或發揮超越時空的想像力？。

我很喜歡用一些超越時空跨度的歌曲當作，Company 中的 Barcelona 如是，近期很喜歡的範例則是羅大佑的〈現象七十二變〉。

我出生的時候這首歌已經五歲，但它連現在蘋果手機貶值都預測到了，堪稱跨越時空之神鬼作詞（才不是）。

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Playbill 編輯部年底選了今年最佳15部製作，其中挑出幾部和大家分享。（MHE我就暫不介紹了）

1. 由變裝皇后Baby Love領軍的製作企劃 Fagtasia (暫譯：玻璃境地）今年推出大製作WICKEDT(我沒打錯他多了一根）

2. 雖然短命，但每首歌和片段都超歡樂的 音樂劇《貝蒂娃娃(BOOP!, the Betty Boop musical)》，也讓世界看到了主演 Jasmine Amy Rogers 的百老匯出道。

3. 《好景俱樂部（Buena Vista Social Club)》 作為一個拉丁風格，音樂傳記的劇目，今年拿下樂團特別獎和編舞等五項大獎，帶來的熱情和音樂舞蹈文化衝擊還是值得大家感受一下。而且居然敢大膽地直接歌詞原文演出，不上字幕，一定是音樂舞蹈好看到爆炸才敢這樣做吧（？

回到國內，今年你喜歡哪幾齣劇呢？

我會避免進行那種「窮舉到最後一定漏掉幾個，然後再自己懊惱」的行為。

不過，上週看到一篇很有意思的貼文，也答應來聊聊這個題目：「如果一個團的第一號作品有 90 分，那第二號作品該有幾分？」延伸版本則更殘酷：「如果一個團累積了幾十次製作後，終於成功了一檔，那它的下一號作品，又該有幾分？」

這種大哉問真要寫成文章，我大概可以交出一篇碩士論文。可話說回來，做戲又不是做布丁，誰不想知道飛天小女警的完美比例？問題是尤教授很機車，把所有化學瓶都貼上 X，連他本人都不知道秘方是什麼。

成功的人往往說不清楚成功的原因，因為成長是漫長而且隱形的；但每一次摔跤卻痛得一樣清楚，因為缺陷永遠比優點顯眼。

而劇團的體質，本來就相當脆弱。這其實是台灣社經發展史下的特殊產物。放眼韓國、日本、百老匯，大型資本長期在後端支撐劇場產業並不罕見；但國內早期多半是從非營利組織與創作者一路往前推。缺乏規模資本的結果，就是沒有餘裕好好做知識傳承。別說跨世代了，很多時候光是劇團內換個製作，就可能出現資訊斷層。

再加上，場館制度幾乎都在鼓勵創作者高速產出新作。這套遊戲規則對實驗性、小劇場或議題導向作品或許友善，卻並不利於「商業作品」的發展。不知道這幾年是否有所改善，但我始終覺得，只要場館評議規則願意把「票房結果」的權重再往上調一點，觀眾真正覺得好看的作品，才有機會累積得更多。

環境既然如此，也只能說有花堪折直須折。看到好吃的腿庫飯，就一定要多吃幾次。年末到了，今年你看了哪些戲，是你真心希望未來還能再看到的？請務必，大聲喊出來。

最後，分享國外網友 MarcSnetiker 的整理：音樂劇中最頂的十種歌。大家可以找找符合類型的歌，一邊聽一邊跨年，新年快樂！

1. 全鎮居民一起慶祝火車進站或離站

2. 經營服飾店的女生

3. 教人跳舞（很簡單試試看）

4. 被暗戀對象在陽台／門廊偷聽獨白

5. 被舞蹈分散注意力就化解的紛爭

6. 「這是我們的老規矩」之歌

7. 蓋穀倉aka.角色成長蒙太奇

8. 我怎麼之前都沒意識到

9. 第一次起飛的女巫

10. 作媒自己卻還單身(再現)

    我真是勤奮跨年還在寫電子報，有誰知道哪裡看101煙火景觀最好啊?

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    今年寫了12篇的音樂劇ㄅㄆㄇ，明年會進展到哪裡呢?訂閱起來就知道了~

    
    

驚豔四座的伯丁頓熊音樂劇推出後，影視公司 Studiocanal 旋即宣布成立舞台部門，旗下多個 IP 也都有望改編成舞台作品與觀眾見面。這家公司旗下作品不少，我第一眼看到片單時本能地注意到《Love Actually》。雖然距離實際製作還言之過早，但不得不說光是想像它被改編成舞台版，就已經讓人有點期待。

年底演出很多，來推音樂劇必推下週要演出的 Next to Normal，百老匯東尼獎和普立茲獎的戲不用多說，好好進場吸收天地精華就對了。還有即將開跑的讀劇匯-音樂劇創投媒合平台，推薦絕對不是因為我是相關人員，而是身為觀眾，能夠用便宜的票價看到戲，又能品頭論足直接和創作者溝通黜臭的機會不多，老舒壓了。

等到嗨森才唱歌真的來得及嗎?

發現最近上課分享音樂劇的結構，我都忍不住多講兩句。其中一個就是我自己也都在問的問題。「說不了的用唱的，唱不了的用跳的」都是很棒的音樂劇描述，但真的要小心如何安排每一首歌的進歌點。

這句話就像函數一樣，用這個規則設計曲目通常會成立，但真的反過來檢視一齣好劇的每一首歌，你會發現咦．．．從頭來看，開場曲就已經不是這個邏輯吧？

再回頭看很多經典的劇本，很多歌曲都是在每場戲的第一個行動一開始就進入音樂了。
再者，如果每首歌還沒開歌，就已經走到這場戲的情緒高點，那這首歌只能更緊繃、更下猛藥才能創造出情緒起伏。

就讓我繼續置入行銷用 Next to Normal 的 Everything Else 舉例，這是一首乾淨典型的AA’BA，音樂開始地舉重若輕，一直到A’段才加入不安的弦樂，最後在B段展開，跟著情緒的崩潰到 And with all of this shit 才聽見最完整編製的樂器。然後回到A段一氣呵成。如果這一切是發生在女兒的情緒高點才開始入歌，歌曲要怎麼成立實在難以想像。

那甚麼樣的歌可以進入在情緒高點呢? 其實講回來，應該也都可以的，只是不要整齣戲都這樣設計罷！

大家都已經看了自己 Spotify 的年度音樂回顧嗎? 其實今年我少聽了三個月，因為買了Homepod Mini而跳槽APPLE MUSIC試用了三個月。接下來要回歸了。
今年多了一個聆聽年齡，不意外的我算出來是80歲，最愛聽60年代的歌，我想說他其實不太準，因為我今年是Bob Dylan+Fuji Kaze+Gershwin, 所以被算了個平均吧。

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這週電子報本來很想告假，買了太多書還沒看完，又沉浸在好幾部好看的電影中，但想起還沒來文字健身房，就有點過意不去。但馬上Wicked又要上了…

本週產業新聞

2025東尼獎音樂劇也許美好結局也許要來台灣演出了，應該會創下東尼獎最快來台紀錄。根據網路新聞報導，本次演出將邀請韓國演員與原裝製作來台，並在演出後考慮正式推出中文翻譯版。根據這次韓方製作公司代表的專訪，當初百老匯版籌備期突然有單位撤資差點走不下去，NHN LINK增資26億韓元，占比12.5%，也難怪接下來回到亞洲就是貴人單位主導製作了。(由此回推這個製作是一個約五億雷諾探長的投資)。

百老匯方面，Wicked 的作曲 Stephen Schwartz 推出新作品，並和 Kristin Chenoweth 再次合作。劇評目前持平，但大多給予 Chenoweth 的表演好評。畢竟你看這個故事介紹，不給她演給誰演：「一對逐夢奢華的美國富豪夫妻，在興建「凡爾賽宮式豪宅」的同時遭逢金融危機與家庭悲劇，在財富重建後，終於面對名望與美國夢背後的失落與清醒。」

這個故事改編自真人真事紀錄片，有興趣的可以看這裡介紹

框架中的創意

下週一將在讀聚匯的園丁計畫中分享創作、曲目分場結構、歌曲結構。其實一邊整理一邊回想近年所學所體驗，針對創作其實會想推廣一句話「框架不會背叛你的創意」。特別是近期看的各種好電影，都是在絕佳/老套的框架中變出新把戲，甚至不需要新把戲，好框架都能平鋪直敘出很深刻的情感，這是我們需要繼續努力的方向。

起承轉合四個字是看似最簡單，卻最難的易筋經

如何在框架中發揮故事比隨意創造難多了，因此我也特別害怕聽到有人想「挑戰型式」或「做不是音樂劇的音樂劇」，如果在我需要趕稿的時候，咖啡廳老闆端上一杯不是咖啡的咖啡，我會氣到走出店門。

最後分享一首來自 Death Become Her 《捉神弄鬼》的歌。雖然製作應該還沒回本，但這是近年聽過最老派架構但又讓人喜歡的原聲帶~

劇中怎麼跌下樓梯的也值得一看

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看完鍊鋸人劇場版，恩我果然是原作黨。蕾潔篇的純情到相愛相殺必須留更多空白才能打進心中啊~

先上產業新聞，這週來看亞洲

香港東九文化中心開幕，坐落九龍東區，分別內涵四個不同大小表演廳，而開幕季其中一檔節目則以光纖之父、諾貝爾物理學獎得主高錕的傳記音樂劇作為首發演出。光纖跟techo音樂是真的滿搭的。

第二則新聞：韓國電影《舞后》將改編音樂劇，並理所當然地瞄準全球市場。舞后描寫一對平凡夫妻，因為丈夫拯救落軌醉漢而意外踏入政壇，但想重拾歌手夢的妻子正準備要偷偷參加舞后選秀大賽，兩人對於夢想與現實的堅持也不可避免逐漸產生更多荒謬喜劇…。

高概念作品與迎合市場

嚴格來說，這個主題是整個電子報計劃起心動念的原因，每次我聽到「創作者是要堅持藝術表現還是迎合市場？」這個問題，我就會想吶喊「掌握市場也是種藝術耶！」

用沒見過的故事設定，來講普世價值

兩個多小時的時間要如何保持觀眾注意力更是越來越難的挑戰，光是請觀眾入場看戲都需要多方戰友的完美配合。從行銷文案到視覺規劃，如何讓作品在IP海中脫穎而出，真的需要一點功夫。

「有趣」不一定等於高概念，但將高概念設為目標：去結合類型，去天馬行空，去打破思維，去逼死逼活角色，要怎麼讓人願意放下平板離開床榻打開家門走進劇場，如果沒有提供沒看過的世界，觀眾很難有動能。

日本出版社每年都會舉辦「這本漫畫很厲害」的票選，仔細看每年得獎作品的演進，你就會發現過去的高概念都會慢慢喪失魅力，卻又能被厲害的創作者重組成新的高概念而重生。《葬送的芙莉蓮》《光逝去的夏天》《迷宮飯》這些迸出新滋味的高概念作品能成功，就十分值得劇場製作和創作者思考「要推出什麼主題的作品才能第一時間抓住眼球」。

上身基礎，下半身就不基礎

A24的電影大家都愛，也很多人都寫過文章分析了，但若仔細觀察他們如何操作電影，你會發現即便是一部低概念電影，他們都會想方設法重新拉拔出高概念電影的重點「獨特設定，流暢劇本，好的卡司」，當這些都沒有的時候，至少在視覺文案層面上補足。《過去的我們》這個故事如果發生在劇場，如何不在包裝上落入窠臼，是很值得腦力激盪的。

回頭看看市場待推出和推出中的作品，也同時反省自己的創作計畫，恩，只能說我要繼續磨練！

最後分享一段最近新發現的老戲，倫敦今年剛好重製。Ride the Cyclone描寫六個高中合唱團員在雲霄飛車意外中喪生，他們被迫在陰陽交界處向魔法算命機證明自己值得復活。不知道有沒有受到絕命終結站的影響。

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火車區間車上我都能睡得如癡如醉，冗長的戲更是如此，就算坐一樓，我也可以瞇著眼就睡起來，偶而甚至打呼或睡到墜樓。我覺得這也不是我能靠精神控制的，應該要立法保護我們這些熟睡者不受歧視，偷偷笑我們就好自以為同伴很多。

這期兩則快訊分享，關於藝術這門生意

韋伯爺爺在專訪中聊自己幾乎不投資自己涉入「創作」的戲。原因很簡單，自己的錢在裡頭時很難接受公評指教。

第二條新聞是關於「韓國官方在韓國人得到東尼獎後做了什麼」，這則公關稿可以一窺一二。首爾市政府馬上宣布三大方向，就算是口號都聽得過癮：

1. 創作扶持：新增作品孵育專案計劃，預計孵育百項新作品。

2. 基建強化：建設/強化各種創作實驗支援中心。

3. 觀眾養成：年輕藝文教育計劃，週五親民票價等等措施。

城市在得獎後沒有停下，甚至已經開始準備好建立更完整的品牌與降低門檻。根據 2024 年市民文化參與調查，首爾市民參與藝文表演的比率已從疫情後復甦至 76.1%，與百老匯和西區齊平。

那個蔣萬安，填平地下道後可以來填填戲劇獎開出的路徑～

來都來了很快就退燒了

最近在脆上的熱門標籤「死語」引發了這篇的主題：語言在劇中的使用要怎麼「取得效果」，流行語可能是一個很方便的途徑，但我個人其實並不青睞，自己即便有用過幾次，也都還是會擔心害怕哪天會失效，提心吊膽。

若把「流行語」再延伸討論，幾種能從戲外取得共鳴連結的語言，姑且由「共感範圍」小到大歸納出幾種：

1. 黑話/行話 (Lingo)：建立職場，角色職業。
   例如：我推，逆CP（動漫次文化語言）；nerf/buff（遊戲用語）等等。
   

2. 哏圖/次文化迷因 (Meme)：通常用於建立網路世代的角色個性。
   例如：萊納你坐啊，傻眼貓咪，黑人問號，歸剛ㄟ（《初鹿》裏這句也是主角的口頭禪）。
   

3. 潮流流行語 (Slang) 與死語（dead slang)：迎合當代新聞時事，潮流感（近年來流行語多來自短影音）/死語則反過來用來建立年代感。

   例如：來都來了，大展鴻圖 ，觸爛，已購買小孩愛吃 / LKK, 哇真是太神奇了傑克，英英美代子，還有前陣子我才第一次聽到的「11路公車」

4. 金句/格言/厘俗語/成語 (idiom/Motto)：
   在劇中引用金句、格言，或厘俗語，只要不與設定衝突，通常最不擔心「有觀眾聽不懂。只要想到厘俗語我就會想到「一兼二顧，摸蜆洗褲」。

最後來一首充斥死語但還是好聽的桑坦。

再寫下去，應該就多了。但最後還是分享一個，前幾天和朋友聚餐，才知道小朋友現在的順口溜已經改朝換代，變成「一二三四五六七，阿媽掉進洗衣機」。朋友的小孩是台德混血，甚至把這段順口溜帶去德國發揚光大，但因為翻譯後沒押韻，德國老師一頭霧水。  「那我們以前是什麼啊？！」「應該是看什麼戲看你媽媽流鼻涕剃剃剃光頭」老.jpg

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前幾天去看了一一，終於。一邊看一邊想如果改編，該怎麼修，怎麼剪。其中很精神錯亂的一幕是電影中出現星際大戰首部曲的電影海報。我一直把一一的台灣預設在更老的時代，但其實也就不過二十多年前，社會在手機前手機後真的差太多了。

百老匯最近新戲成功率折半

跟隨著NY TIMES的報導揭露本季度百老匯票房的嚴峻考驗，即便口碑好票房佳還是不能回本，引起廣泛討論。Sunset Boulevard口碑好成這樣居然還是賠了票房我嚇到。南台灣表演藝術發展協會一篇針對此消息的報導獲得不少業內轉發。而OnStage Blog也針對此新聞撰寫了一篇專文：Broadway’s Financial Crisis Needs Structural Fixes, Not Hand-Wringing
文中除了回應紐時分析成本過高、觀眾結構改變等因素之外，也提出了三個見解：

1. 劇院合約分配方式不夠永續

2. 大家應拋開預設長銷的迷思，改為期間限定演出

3. 大家不夠擁抱串流

而造成一切改革僵化的，則是長期各據山頭的權益組織，沒人願意退一步，於是一起退步。百老匯會怎麼往下走呢，我們繼續看下去。還是到時候要來台灣針對短期演出裝台取經？

觀眾在哪裡

前幾週因為討論幾檔開賣的戲，在脆上有感而發，也發下豪語說要來聊聊TA這件事，主要是因為這些年寫企劃案得到的感觸。過去自己也常常也會在企劃案中這樣寫：「這齣戲的TA瞄準25~35歲的都會女性」

寫到某次我突然很厭煩自己的懶惰（真難得），因為內心深處知道，這他媽就是所有劇場劇目的觀眾大輪廓而已，那我寫它幹嘛？這樣的區間或許在下廣告時分眾有用，但這已經是執行末端的標籤，當創作者和製作人在前端討論一齣戲「到底能賣給誰看」，這樣的分類其實無法真正幫助產品錨定溝通對象。

比起年齡區間和性別等等標籤分類，我後來會試著以「需求導向」來設定劇目的核心TA，在價值主張上找到自己的受眾。這齣戲會打動誰？以什麼打動？這兩個基礎問題來做功課，才再往下設計行銷規劃，最後才是以統計學進行廣告分眾。

斗膽以今年兩齣戲來分析，從內核到外核受眾規劃：
《火神的眼淚》：我可能會抓「需要表現同理心」，「在意社會議題」最後才再以「明星」「電視改編」「楊大正」等等的操作切角主題去擴及外層受眾。

《九月啊九月》：我可能會抓「認為懷舊是品味的人」，「華語流行支持者」，最後佐以「樂團」「純愛」「GL」等等操作切角去擴及外層受眾。

我不確定這兩檔戲的製作單位在ＴＡ描繪上是否也用了同樣的方法，但至少在聲量上都已經有不錯的出發點。有了更立體的ＴＡ描寫方式，從圖文的設計到公關媒體通路該怎麼找，才會更有解決到痛點，譬如火神可以設計大愛電視台的聯合宣傳，九月的廣告或許我會測試「秋刀魚雜誌」等等，至少我是這樣想的。

而找ＴＡ這件事，有時也就是像在腦中寫出一個活生生的角色。

總之來聽個音樂，為什麼要選這首歌呢，我只是在擠牙膏而已。

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秋天到了，可以泡湯了。九月啊九月，通常我都點播 Try To Remember，第一次聽到是在 Re/turn 中的蔡柏璋版本，今年九月則看了 Reality No-show, 蔡柏一樣很會選曲。

最近百老匯在抗爭。緣起自紐約州為了提升稅收，將新發放賭場牌照，而時代廣場成了可能賭場預定地，因此引發了大小不一的抗議活動。百老匯劇院則在本月初用招牌燈箱和廣告版一起打出「No Casino」不要賭場，表達對於政策的不滿。

你看人家有社群有燈箱有社區意識，這個新聞遂成本週推薦，很好奇會是什麼樣的事件促成台灣音樂劇場的第一次集體發聲。

嗯嗯啊啊很難寫，到底要放哪裡哪裡

音樂劇歌詞中的虛詞，對我來說一直是個有點難直覺判斷的挑戰。我先亂定義一下「虛詞」對我來說有幾種指涉。

一種是語法分類中的介係詞、連接詞、量詞等
泛舉「地」「的」「個」「了」等等不佔有實際資訊、但幫助資訊定位的輔助詞語。這類詞在歌詞寫作上盡可能要避免放在重拍。（很簡單，但也是我目前從作曲老師得到最有用的筆記）

一種則是口語會話中的社交虛詞。
「喔？」「吼唷～」「嗯哼！」「您別挨罵了」好老「哪的話」「不敢當」。這些屬於社會禮儀而產生的詞彙，通常暗示了言語溝通的一種節拍。甚至嚴重一點就像京都人問「你的錶好漂亮」其實是在暗示對話長度一樣。這些社交虛詞提供了一種交際的節奏感，但又能藏點態度。一樣不是資訊重點，卻有著調節對話，建立角色個性的功用。

最後一種是烏拉拉拉修比嘟華。
就是用阿卡貝拉的效果把人聲當樂器使用，以資訊量來說虛到不行。但很多時候也會有很棒的年代效果。〈Popular〉 中的 啦～啦～啦～ 就是很棒很吵的範例

好我要說的是以上幾種我都覺得好難駕馭啊，寫作的時候沒有足夠的音樂底子真的很難想像哪裡用起來會很得分，飲食男女的「哪裡哪裡」我幾乎歪打正著，只能希望神跡有一天再現？

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回籠覺的狀態下，腦袋會一直轉出很厲害的劇本設定或情節發展，但只限於當下的腦內啡。醒來就會知道那些淺夢裡的超屌故事其實都是一堆糞土。

雖然是個舊文，也不是音樂劇，但最近又看到了 Reese Witherspoon 的讀書會模式分析，在思考台灣有可能複製嗎？

她在幾部影片大獲成功後，幾乎消失在電影銀幕而更大量走到幕後，但她並不走傳統影片監製老路，而是先召開了一個讀書會，每個月分享她關注的新書，不只在社群發酵也周邊發展出Podcast與媒體的討論話題，在全美吸引了大量的粉絲追蹤，每個月一起讀書，分享彼此觀點的高階社群慢慢被建立。被她選中的作者無一不爆紅，無一不感謝，畢竟她可是好萊塢的小S(亂封名號）。

那她到底圖什麼？獲利模式是什麼？答案原來在於書目的改編版權早早被她的公司買下，製作公司HelloSunshine以女性故事為製作重點，從讀書會的故事中做出了不少串流搶購的熱門影集。她不但在改編開始前與原著者建立良好關係，更在開播前先建立了一大票影視粉絲，連故事情節的tagline都可能有讀者在網路上早早幫你想好了。

開發故事的方法，絕對不能不思考市場（誒對我繞回音樂劇了）。多多思考市場流量，多多思考社會需求的娛樂，一點都不是壞事，也才能在正向循環中轉出藝術商業兼容的作品。

在台灣有這等影響力的藝人，文化人，會有這樣的商業頭腦讓故事持續放大嗎？先撇開各種爭議光譜，你會想到誰能這樣引領讀書潮流？有時候我們需要的不是劇團的導演或製作自己辛辛苦苦推戲，而是找到一個真正有放大效益的製作人，從源頭找到社會需要的故事。

有了故事，走進讀劇，但讀劇又在讀什麼

近年來，「讀劇」越來越常被搬上檯面，也逐漸被視為音樂劇開發的必經之路。但怎麼讀、為什麼要讀，偶而依然讓人霧裡看花。

參考國外的分類方式，可以從幾個面向來判斷一場讀劇的定位：

• 公開程度：除了主創外有多少人參與？排練場內或展演空間？

• 音樂/劇本比重：重點在於詞曲發表，還是整體劇本結構的串接？

• 焦點對象：是金主、製作方、投資人與劇院，還是未來的觀眾群？

• 預期目標：

  • 製作面：檢視文本主題、市場性、投資意願、檔期規劃

  • 創作面：測試文本與角色、確認歌曲結構

  • 行銷面：拍攝宣傳素材、培養早期觀眾、累積社群聲量

這些分類是要幫助釐清該階段最重要的任務該做什麼。
如果作品還在文本發展期，其實不必急著花太多力氣做行銷；
反之，如果正式演出檔期已經敲定，讀劇其實已無法大幅修改，這時不如直接定位成「音樂發表」或「宣傳活動」，思考如何透過互動與社群熱度，為正式演出暖身。

當然最難的其實是製作人是否能有足夠的資源和野心拉出一個真正的文本發展期。

紐約每年舉辦的新音樂劇節，今年已邁入37屆，入圍八組來自全美的音樂劇作品，將在10/23~24 一口氣以讀劇音樂會形式讀完，第一組作品還是來過台灣當創作導師的Adam Gwon，想買機票了。

對比國外，理想的讀劇票價最好不要超過一張電影票錢，或者是正式演出票價的0~10%，
所以台灣電影票太便宜了。

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有些小事，是活到一個年紀才發現早就定型。譬如我莫名的愛吃南棗糕，那天經過南門市場忍不住買了，沒過兩天就吃掉半包。我也很愛吃鍋貼，好像很多人印象很廉價的選擇，但我就每次吃都很心滿意足。

今年有很多經典都邁入50歲，《歌舞線上》五十歲了，去年還拿它來當作分享教材。《SNL》50歲了，《洛基恐怖秀》50歲了，《芝加哥》50歲了，這些戲都好近又好遠，近的部分是他們依然是我創作的重要養分，遠的是好像每次跟別人介紹都好像在說什麼上古神作。總之今年應該會有滿多海外活動圍繞著這些戲進行，台灣也總會有洛基恐怖秀的特映，有興趣絕對應該放開心胸去玩玩。

愛的條件是顏值第一印象

只要講到 Conditional Love Song，一定會把 If I love you 丟出來看幾次，試圖重新感受它的簡單與不簡單，想像如果 Hammerstein 來到現代，擔任發糖偶像劇的編劇，會甜死多少人。

從 If I love you 問世後， Conditional Love Song 最常出現在第一幕前段，作為男女主角的感情鋪墊，同時避免太早明定戀情結局，以保留後續戲劇張力。非典型情歌（條件式情歌不是我喜歡的翻譯）的變體和手法越來越多元，畢竟談戀愛的方式本來就一直在演化。

讓我來試著分類一下現代非典型情歌的不同切入角度

1. 按照感情的起點分類：是醋勁，是暗戀，是冤家，是好奇，還是早已熟悉？

   1. Company中的Barcelona一曲描寫約砲後的情感游離態

   2. Annie Get You Gun的 Anything you can do 是較勁冤家的經典
      

2. 按照發動者分類：感情的發動者是單一方，還是雙方，又或者是關乎第三方的介入？譬如Hamilton的Helpless和Satisfied便是一首三方錯綜復雜的奇作。

3. 按照感情的種類：是愛情，是同儕情，還是共情？

   1. The Band’s Visit 的 Omar Sharif 描寫的不是愛情，而是一種對寂寞的共情投射，因此不可能結果，但還是開出很美的花。

   2. The Producers 中的 We Can Do It 是在討論共謀合夥詐欺。

   3. 腐女之眼打開，你可能會看到很多新的 Conditional Love song

The book of Mormon 中的 Baptized Me 一直是我最喜歡的非典型情歌。他很認真的在講人與信仰之間的堅定情深，是我們都想歪了。

近期Threads上最爆紅的交友軟體經驗帖，我覺得也能寫出很多很棒的非典型情歌大合集。

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Andrew Barth Feldman年僅十七歲就從全美高中生音樂劇大賞 Jimmy Awards 得獎出道。在這之前，他只演過學生製作版的《神鬼交鋒》（Catch Me If You Can），得到Jimmy獎後第一部正式作品就直奔百老匯的《Dear Evan Hansen》。當初關注到這段經歷已經夠神奇了，但我更喜歡後面這段故事，也常常在講座上分享：

Covid 疫情期間大家在家閒得發慌，於是Tiktok 網友開始自己創作曲目，串接起了自創的《料理鼠王》音樂劇，接著連名人演員加入接力cover，瞬間爆紅，最終成就了一次正式的音樂演唱會製作。

這版製作理所當然爾 Cast了 Feldman 當主角，原因不言自明：他長得太像動畫版主角了。

除了他自己真的很強之外，疫情間還能有這種天上掉下來的飯你說是不是老天幫忙。

講到天上掉下來，我也很希望靈感都會從天上掉下來，可是和大部分描述「靈感」的創作者一樣，靈感鮮少是以「乍現」的方式出現。且通常需要一點儀式來召喚，需要一點點在文字中來回對話，慢慢東挑西揀後，有些不錯的字句就會藏在紙面螢幕下，被筆尖鍵盤勾出。

我認真思考我的儀式是什麼，首先我要打掃房間，洗個熱水澡，然後我要把手遊的每日任務都打完，然後要吃飽喝飽睡飽，然後等到夜深人靜的時候開始不甘願的敲出字句。儀式有時候也是一種拖延症啦。

我見過描繪靈感最生動的說法來自於漢默斯坦爺爺：
「我認為有價值的創作都來自於作者在其他時間地點的所見所聞、感受和啟發。」

「牛隻都如雕像般佇立」，這個景象在我下筆多年以前就已經冒入腦海，當我寫到這首歌的第二段落，我就想起來了。我想起某個賓州夏日曾坐在門廊前，看著約莫半里外山坡上的一群乳牛。那天非常的熱，世界彷彿靜止。我突然發現我正在做一件不曾、也不再發生過的舉動：我試圖用詩句描繪我所看到的景物，且不是為了劇作或歌詞，我構思了這樣的詩句。

「微風讓步，日正當過，坡邊牛隻，靜如青草」

那些坡上的牛隻「靜止如青草」鮮明印在我的記憶中，跟著其他隨興隨心的構思放在一起。直到多年後再我需要的時候它又來啟發我。
——節錄自《Lyrics》，Oscar Hammerstein II

然後他也寫了這段：

大約六年前我參加了音樂劇《One Touch of Venus》的預演，Mary Martin 擔綱女星。Mary 在這齣戲中扮演一個夢中女神的角色，如希臘雕像般浪漫、可愛、動人。但在最後一場戲，她換裝成她劇中情人的理想模樣，穿著一套方格連衣裙。我轉頭對我太太說：「她將來該演這樣的角色。她演的維納斯很棒，但這樣打扮才是真正的 Mary Martin，一個德州長大的平凡女孩」……
當我開始寫《I’m in Love With a Wonderful Guy》這首歌時，Mary 多年前在《One Touch of Venus》中穿著方格連衣裙的畫面跑進了腦海中，而副歌的第一句詞「我如八月的堪薩斯州一般平凡」就是來自於這段記憶。
——節錄自《Lyrics》，Oscar Hammerstein II

我滿好奇太太心裡怎麼想的，不是想著其他女人就是想著山上的牛，當創作者的另一半就是那麼辛苦。

Tiktok音樂劇料理鼠王可以這裡看

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先來分享我覺得台灣觀眾的雷達不一定會掃到、但我自己覺得很有趣的作品。
Gun & Powder 去年在 Paper Mill Playhouse 演出口碑不差，預計明年改名為 《Wanted懸賞雙姊妹》（故意暫譯得很難念） 並於春季登上百老匯。
故事描寫1893年德州，兩名女孩為了替母還債，假扮白人，四處掠劫，最後橫行西部成了人人口中的傳奇盜賊。

為什麼我覺得有趣呢？因為本劇創作者是這兩位傳奇女賊的曾曾孫女Angelica Chéri，如果我也去翻族譜不知道會翻出什麼來，我現在唯一印象深刻的故事是爺爺小時候貪玩，無名指被斧頭截掉一半，那個年代的人真的很瘋。

你都用什麼策略吵架？

昨天去聽了世珮姐x金仁馨「還有一顆心可以醉」演唱會，聽兩位神級音樂劇演員唱歌，開場曲就直接來朱家吵架，通體舒暢，一掃傍晚的晦氣。也讓我重新思考了一首吵架歌的各種可能。

吵架歌之所以難寫（我可能會每一篇都在說每一種歌都很難寫），或許是因為很多時候我們想太容易，少著墨了吵架的真正樣貌。
你是講理派，還是冷戰派？是翻舊帳，還是情勒？是鬥嘴，還是扎小人？吵架是角色最醜陋的時候，所以如果一首吵架歌只會大吼很容易膩，特別是國會那位。

Wicked 的吵架歌有好幾首，把 Conditional Love song 合併吵架歌是很妙的一招，上半場結尾的 Defying Gravity 也先用爭論來拉高主角氣勢（雖然那段委婉到重看電影我還是不懂他們在吵啥，但情緒上很有效）

目前為止我最喜歡的吵架歌，可能是 Franklin Shepard, Inc. 這首 Patter Song，面對記者訪問自己和那位拋下自己的作曲夥伴是如何「合作時」，主角查理爆發。當有第三者在、當吵架被全國觀眾看時，角色的行為舉止就更多層次，更多值得反覆玩味推敲的細節。

And the telephones blink 
And the stocks get sold
And the rest of us, he keeps on "hold"
And he's into making movies
And he's now a corporation
Right?
然後電話會響
股票會被賣出
其他的我們，都被「保留通話」
然後他跑去拍電影了
現在他有家企業了
對吧

And I play at home
With my wife and kids
And I wait to hear the movie bids
And I've got a little sailboat
And I'm into meditation
Right?
我在家陪著妻小
然後我得知電影標價
然後我有了小帆船
然後我愛上冥想
懂嗎？

He flies off to California
I discuss him with my shrink
That's the story of the way we work
Me and Franklin Shepard, Inc
他會飛去加州
我會和心理醫師聊他
這就是我們怎麼創作的
我和這位 "Franklin Shepard公司"

你吵過最成功的一次架是什麼？吵過最後悔的一次架又是什麼？

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寫到這邊我才突然連結到自己選擇《初鹿》歌詞意境的時候應該有遙遠地受到影響，同樣是個青少年勇敢追愛但追到自己很惆悵的故事。Sing Street 的表白那麼直接可愛，因為是青春，長大後表態就自然會變得很多層考量。

You find a mixture of bounding perfection
You've gotta read but you don't wanna reach the end
'Cause what if everything beautiful's fiction?
And this reality's just pretend?
妳似乎結合一種完美定義
有了開頭也不用在意結局
假使一切都是美麗空虛
而現實都只是假意

And then I'm back in the dream
I'm looking up at the ceiling
It's such a beautiful feeling.
而我又回到夢裡
在夢裡看著天際
這感覺無可比擬
-"UP"

上週受邀去看了一齣舊戲新編的讀劇，看完收穫和心得滿滿。隔幾日後和導演聊天聊到劇中主角的動機，要如何可以在適當的時機表達適當的I want，是每一齣戲裡數一數二的關卡。

在思考分析一齣 I want song 的時候，常常會遇到的挑戰是「甚麼才是他現階段的需求」，因為按照理想的劇本結構，主角的目標往往需要兩階段被揭露，分當下目標和終極目標，他最好是經歷十八層地獄後才發現自己應得的結局，畢竟想要的東西不一定能帶來圓滿。

於是 I want song 需要表態，但又不能完全揭露；需要真誠，卻又必須少許的對觀眾保留伏筆。小美人魚唱 Part of your world 的時候怎麼會知道自己的結局是婚姻的枷鎖。

反派的表態更難了，最好的反派就是完全相信自己的世界，也完全能說服自己，在他們眼裡主角才是真反派。譬如剛看完的超人，很多人稱讚路瑟的劇本和選角演出，因為攤開這版本，其實幾乎能看做路瑟的起源故事。

Hamilton 今年十週年大肆慶祝，劇組但同時毅然決然取消了其中一項原定在Kennedy Center 的演出計畫，LMM發表聲明說自己不想在川普主導的狀態下配合演出。底氣有時候等於才氣，讓Ｉdon’t want song 可能也是一種唱法。

Broadway musical ‘Hamilton’ cancels plans to play the Kennedy Center in 2026

表態，很多學問。

FXXK IT 我要在第一篇電子報宣告我很懶得校稿，發現錯字請 shame me。
作為第一篇是很棒的表態（吧）

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